Conversazione con Ennio Morricone

Ennio Morricone con Jonathan Baz

INTRODUZIONE

A 91 anni e con una carriera iniziata circa 65 anni fa, Ennio Morricone è uno dei più grandi compositori di musica da film del nostro tempo. Gran parte della sua musica è magnifica, in parte iconica, con la sua colonna sonora per lo "spaghetti western" di Sergio Leone del 1966 “Il buono, il brutto e il cattivo” che è diventata una delle melodie cinematografiche più riconosciute a livello mondiale di tutti i tempi.

I decenni più recenti hanno visto le colonne sonore di Morricone per The Mission di Roland Joffe e Cinema Paradiso di Giuseppe Tornatore (solo per citare due titoli) ottenere apprezzamenti critici praticamente universali e solo tre anni fa il compositore ha vinto il suo secondo Oscar e la sua sesta vittoria ai BAFTA, questa volta per “Hateful Eight” di Quentin Tarantino. Ovviamente oltre agli Oscar e ai BAFTA ci sono tantissimi altri premi nella bacheca dei trofei di Morricone. Innumerevoli riconoscimenti rendono omaggio a un uomo di eccezionale genio che, proprio mentre viene pubblicata questa intervista, è nel bel mezzo della composizione per il prossimo progetto di Tornatore.

E così è stato all'inizio di quest'anno che Ennio Morricone mi ha ricevuto a casa sua, un duplex squisitamente arredato situato in cima a un condominio di lusso in un elegante sobborgo di Roma. La residenza del Maestro è stata arredata e condivisa con Maria, sua moglie da più di 60 anni, ed è un luogo dove il calore dell'accoglienza è stato eguagliato solo dal buon caffè e dalla splendida vista sulla città.

L'impressione all'interno dell'appartamento dei Morricone non è stata solo di familiarità (Maria era in cucina a parlare via Skype con il figlio Giovanni a New York mentre io chiacchieravo con Ennio), ma anche di un luogo dedito alla cultura e alla bellezza con un pizzico di politica . L'arredamento e le opere d'arte potevano essere incredibilmente stupendi, ma l'etica del luogo non era quella della stravaganza, ma piuttosto quella del successo del talento e della modestia pacata e meravigliosamente assicurata.

Con Fabio Venturi, fonico di fiducia e braccio destro di Morricone come interprete, Morricone ha condiviso con me alcune osservazioni sulla sua vita e carriera e come ci si potrebbe aspettare da un uomo non solo così abile ma anche saggio, ha rappresentato l’essenza stessa della diplomazia. Non una volta un particolare individuo o film è stato evidenziato per elogi eccezionali, né scelto per critiche. 

INFLUENZA GLOBALE

L'ampia filmografia di Morricone lo ha visto firmare più di 500 film in una vasta gamma di generi che possono spaziare dall'amore ossessivamente appassionato, fino all'horror grafico. Numerosi compositori (tra cui Hans Zimmer e John Williams) insieme a vari "grandi" del mondo rock e pop ammettono di essere stati influenzati da Morricone, quindi la mia prima domanda è stata come lui stesso percepisse l'impronta culturale che la sua musica ha lasciato nel mondo negli ultimi 60 anni. In quello che doveva essere il primo di molti scorci della profonda modestia di Morricone, una virtù costante durante tutta la nostra conversazione, ha semplicemente affermato che si mette al servizio di qualsiasi film per il quale è impegnato a comporre. Con assoluta umiltà, ha affermato la sua semplice convinzione che è unicamente responsabilità del pubblico che ascolta la sua musica formarsi la propria opinione su quale segno possa aver lasciato nel mondo.

L'ITALIANITÀ

Il nostro dialogo si è spostato dall'impatto globale all'amata Italia,  patria di Morricone. Mentre ha lavorato per gli studi di Hollywood, spesso con grande successo, la produzione più prodigiosa di Morricone è stata al fianco dei suoi colleghi cineasti italiani. I sostenitori della cultura italiana sosterranno ferocemente che il compositore incarna L'italianità - un'aura indefinibile ma riconoscibile che imprime il "Made in Italy" su un'opera d'arte. Morricone però non era d'accordo: nonostante il suo immenso orgoglio nazionale, era appassionato nel definire la sua musica come internazionale piuttosto che campanilistica nella sua provenienza.

MUSICA E VIOLENZA

Molti dei film che Morricone ha composto nel corso degli anni hanno incluso scene di violenza esplicita ed ero curioso di sapere se fosse mai personalmente turbato o influenzato da alcune delle immagini che la sua musica aveva supportato. In un'affascinante risposta ha in primo luogo commentato che per la maggior parte del tempo si ritrova indifferente alla violenza del film, considerando la scena e la sua interazione con la colonna sonora semplicemente come parte del suo lavoro. Detto questo, quando ha lavorato per la prima volta con Dario Argento (il regista italiano, famoso per i suoi film horror e gialli) si è reso conto dell'importanza dell'atonalità nella musica che può accompagnare una violenza orribile. Morricone strappa via l'armonia da tali momenti, analogamente alla brutalità della scena che è di per sé una spogliazione dell'umanità. Tuttavia, in una nota a piè di pagina che definiva ulteriormente il suo genio esperto, Morricone aggiunse che laddove un film potesse essere stato destinato ad un mercato commerciale più popolare piuttosto che al consumo "d'essai", avrebbe tenuto conto di ciò nelle sue composizioni e avrebbe incluso più melodia accanto alla violenza.

 

E qual è stato, secondo lui, il film più raccapricciante che ha scritto? Il Maestro non esitò a dirmi che il film “Salò o Le 120 giornate di Sodoma” di Pier Paolo Pasolini del 1975 era stato un progetto che aveva trovato quasi impossibile da digerire.

IL CONTESTO POLITICO DI MORRICONE

Morricone ha vissuto un enorme cambiamento politico nella sua nativa Italia e una domanda che gli ho posto è stata se il cambiamento del panorama politico del suo paese negli ultimi nove decenni abbia avuto un impatto sulla sua musica? "Niente affatto" è stata la sua rapida risposta.

L'EVOLUZIONE DELLA VISIONE DEI CINEMATOGRAFI NEL CORSO DEI DECENNI

Gli ultimi decenni hanno visto cambiamenti sismici nel modo in cui i film vengono visti dal pubblico. All'inizio della carriera di Morricone, un cinema/teatro era l'unico modo per guardare un film. Da allora, le proiezioni più personali, siano esse via TV o sui vari dispositivi digitali di oggi, hanno superato il numero di persone che acquistano i biglietti del cinema. Ho chiesto al compositore come questo cambiamento nel modo in cui i film "vengono consumati" dal pubblico moderno, possa aver influito sul suo lavoro. Ancora una volta, e con un rinnovato impegno per la purezza artistica, Morricone ha commentato che la sua composizione è sempre guidata dal dramma, sia come sceneggiatura che come recitazione, e che non è distratto dai cambiamenti nel modo in cui un film alla fine verrà visto.

Detto questo, Morricone rimane profondamente consapevole dell'equilibrio sonoro finale di un film e del mix finale tra musica, rumore ambientale di sottofondo e dialoghi. Abbiamo discusso l'entità del suo coinvolgimento nella post-produzione del sonoro di un film, dove ha indicato che in linea di massima lascia tale decisione interamente nelle mani del regista. Tuttavia ha accennato in modo intrigante ad un particolare progetto di qualche anno fa (purtroppo non ha menzionato nessun nome) in cui ha appreso che il regista aveva trascorso solo un giorno (!) A mixare e finalizzare il suono per l'intero film. La sua opinione su quel progetto era aspra, e non sono riuscito a sapere altre informazioni.

LE MUSE DI MORRICONE

Nel 1968 Morricone doveva scrivere la colonna sonora di “C'era una volta il West” di Sergio Leone, un film per il quale ha successivamente raccontato di aver composto due delle melodie più evocative - Il tema di Jill e L'uomo con l'armonica - basate esclusivamente sulla sceneggiatura e ben prima che le riprese principali fossero iniziate o fossero state create con lo storyboard. La colonna sonora, in particolare la memorabile linea di soprano in Jill's Theme, è diventata una delle composizioni più celebri di Morricone e ha parlato brevemente dei vincoli e delle libertà di scrivere musica per un film che esisteva solo sulla carta.

Ha spiegato che con pochi registi selezionati (incluso Leone ovviamente), è stato in grado di immaginare una visione molto chiara delle immagini di un film dalle discussioni e dalla pianificazione iniziale. Da queste discussioni, i temi critici della narrazione hanno sviluppato la loro forma musicale in modi che dovevano essere completati solo dal film finito.

La conversazione si è poi spostata sull'ispirazione a cui attinge per la "tavolozza musicale" di una particolare partitura? La sua risposta è stata che tipicamente una tale tavolozza emerge dal suo semplice seguire la storia filmata. Tuttavia penserà sempre attentamente a quanto potrebbe essere "scioccante" una partitura particolare. Ha anche parlato di trarre ispirazione dal suo ambiente e da ciò che lo circonda, raccontando come nel 1995 mentre stava scrivendo la colonna sonora di “Sostiene Pereira”, il dramma politico di Roberto Faenza sul fascismo portoghese, il rumore derivante da una manifestazione politica che si svolgeva in Piazza Venezia a Roma, fuori dalla sua casa di allora, gli avrebbe fornito l’ispirazione per la musica di quel film.

MORRICONE, QUENTIN TARANTINO E GLI HATEFUL EIGHT

Cambiando rotta, la conversazione è tornata al catalogo di composizioni di Morricone. I registi moderni (in particolare Tarantino, in un certo numero di film negli ultimi 15 anni circa) hanno inserito le sue composizioni precedenti, incorporando la musica nelle loro immagini del 21° secolo. Ho chiesto a Morricone il grado di controllo editoriale (se presente) che ha cercato di esercitare su tale uso.

Morricone ha espresso un atteggiamento rilassato su come la sua musica potrebbe essere stata utilizzata nelle colonne sonore successive, ma ha offerto uno sguardo affascinante su uno "scambio" culturale attorno a The Hateful Eight. Il Maestro ha suggerito che mentre Tarantino era stato libero di selezionare melodie vintage nelle sue precedenti compilation di colonne sonore, a Morricone, a sua volta, era stata concessa una mano relativamente libera nella composizione della colonna sonora di quel film. Ho chiesto se il film segnasse il ritorno di Morricone ai western, e lui ha risposto che in realtà aveva cercato di porre maggiore enfasi sul lato drammatico della storia piuttosto che sul suo genere western. Era tuttavia fiducioso - una fiducia successivamente premiata sia dall'Accademia britannica che da quella americana - che il suo lavoro si adattasse sia alla sceneggiatura che alla fotografia.

Vale la pena notare che quando Morricone ha vinto l'Oscar del 2016, è diventato il più anziano vincitore di un Oscar a trionfare in una categoria competitiva. Ascolta la registrazione della colonna sonora e nota la traccia intitolata "Neve" che dura 12 minuti, un tempo sorprendente per una composizione cinematografica di questi tempi. Morricone ha parlato del suo personale orgoglio per la musica del film, descrivendo quel brano come dotato di una bellezza quasi sinfonica e di quanto apprezzasse la rara opportunità di comporre una colonna sonora del genere in questa era moderna del cinema.

Le Partiture dei film vengono suonate dal vivo

Man mano che il pubblico che impara ad apprezzare alcune delle colonne sonore più classiche del cinema cresce e con l'assistenza della tecno-stregoneria del 21° secolo, c'è una tendenza crescente per i film da proiettare con la colonna sonora originale cancellata digitalmente dalla stampa e sostituita da un'orchestra dal vivo che esegue simultaneamente la colonna sonora del film.

Morricone è stato, ancora una volta, succinto su questo. In ogni caso, ha detto, andare ad un concerto di una colonna sonora in cui potrebbero esserci state forse leggere ri-orchestrazioni dell'opera per gli scopi di quel particolare evento, quando il film viene proiettato, la musica per accompagnare quell'esperienza dovrebbe essere indiscutibilmente la colonna sonora originale come registrata - è stato chiaro che le sue partiture non dovrebbero mai essere suonate dal vivo per accompagnare una proiezione.

IL SANTUARIO INTERIORE DI MORRICONE

L'intervista si era svolta nel salotto dei Morricone, ma ero curioso di vedere meglio l'appartamento. Sfruttando il caloroso rapporto che si era instaurato tra il geniale compositore italiano e il curioso giornalista inglese, colsi l'attimo e chiesi al Maestro un di poter vedere un assaggio dei “suoi Oscar”. Raggiante di orgoglio, mi afferrò per un braccio, accompagnandomi ad una scala che conduceva al suo studio nell'attico. Raramente sono stato in una cabina di pilotaggio così profonda di creatività, in una stanza che è una testimonianza del talento. Le pareti erano tappezzate di prime edizioni incorniciate delle partiture di Morricone, insieme ad attestati di onore e riconoscimento che risalivano al suo diploma (di prima classe, naturalmente) da adolescente al Conservatorio Santa Cecilia di Roma. Lo scaffale dei trofei era assordante nel suo silenzioso tributo al loro proprietario, ma discutendo di quella stanza e della sua magnificenza con Morricone, tutto ciò che poteva dire era che era orgoglioso di tutte le sue composizioni, indipendentemente dalle dimensioni, dal budget o dalla natura di qualsiasi produzione.

Ennio Morricone - un uomo il cui genio è pari solo alla sua modestia.

Grazie mille a Nanni Civitenga per aver tradotto il mio articolo originale in italiano. JB

Ennio Morricone The Official Concert Celebration - Recensione

O2 Arena, Londra

 

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Diretto da Andrea Morricone

Curato da Ennio Morricone

Ennio Morricone

È raro che l'imponente O2 Arena di Londra ospiti una serata intima. Ma così è stato il mese scorso quando The Official Concert Celebration dell'opera di Ennio Morricone é arrivato all’arena per un unica serata completamente sold out. Per chi scrive, il concerto ha avuto un'intensità particolare poiché nel 2019 avevo intervistato il leggendario compositore nella sua casa romana. Sotto la direzione del figlio di Morricone, Andrea, una selezione di estratti da alcune tra le oltre 500 partiture che il Maestro ha scritto è stata eseguita dalla Flanders Philharmonic Orchestra, con il programma in gran parte ideato e curato dallo stesso Morricone prima della sua triste scomparsa nel luglio 2020.

L'intimità della serata si è definita attraverso una serie di canali: in primo luogo, la musica stessa, con Andrea che ha offerto una conoscenza profonda e impeccabile del lavoro di suo padre. Compositore lui stesso, era chiaro mentre le varie colonne sonore riempivano la serata, che Andrea era immerso nella musica di suo padre.

Andrea Morricone

In secondo luogo, le clip dei film proiettati sopra l'orchestra. Per chi ha familiarità con il lavoro di Morricone, è sempre una gioia speciale rivisitare un vecchio classico. I film sono pietre miliari culturali, ciascuno bloccato nell'era della sua uscita individuale, senza età e congelato nel tempo mentre noi, il pubblico, viaggiamo attraverso la nostra mortalità. E quindi, sia che si guardi l'estratto dal relativamente recente “The Hateful Eight” di Quentin Tarantino, vincitore dell'Oscar, o gli estratti molto più maturi tratti dalla filmografia di Sergio Leone, ogni clip avrà innescato ricordi e ricordi unici e personali in tutto il pubblico.

Il terzo aspetto intimo della serata è derivato dai contributi filmati che sono stati riprodotti tra i pezzi. Da alcune riflessioni rivelatrici e a volte auto ironiche dello stesso Morricone, fino ai contributi di alcuni dei grandi registi ancora in vita per i quali ha composto. I commenti fatti sono stati calorosi, rispettosi e così profondamente pieni di amore e ammirazione per un uomo la cui carriera è durata 60 anni. Giuseppe Tornatore, Tarantino e Roland Joffé hanno tutti parlato con riverenza dello stile e del talento di Morricone. Ma è stato probabilmente Jeremy Irons, una delle star di The Mission di Joffè, a parlare in modo più franco, descrivendo le colonne sonore di Morricone come aventi un effetto edificante sui film sottostanti, che si collocano accanto a Shakespeare per il loro posto nel pantheon della grande arte. 

E poi, ovviamente, c'era il programma della serata. Aprendo con estratti da Gli intoccabili, è stato subito ricordato il genio di Morricone nello scrivere melodie squisite che potevano accompagnare la violenza più brutale sullo schermo. Robert De Niro nel ruolo di protagonista è passato da Gli intoccabili a C'era una volta in America, dove il tema di Deborah e il tema principale sono stati accompagnati da una potente serie di clip del film. A seguire, The Legend Of 1900, il primo dei cenni della serata al regista Tornatore.

Un estratto dell'intervista con il Maestro lo ha visto parlare del suo approccio strutturale alla composizione, che collega musicalmente partiture diverse come The Sicilian Clan e Metti Una Sera a Cena, la seconda con alcuni deliziosi assolo al basso di Nanni Civitenga.

Nanni Civitenga

Dopodichè Il lavoro di Sergio Leone è tornato protagonista fino all'intervallo con un affascinante spiegazione filmata di Ennio Morricone del suo semplice uso di tre note per l'armonica, che ha introdotto “L’uomo dell’Armonica” da C'era una volta il West, malinconicamente e magnificamente eseguita di Daan Wilms all'armonica solista. Quel film, insieme a Il buono, il brutto e il cattivo, ha stuzzicato il pubblico prima dell'intervallo, con il soprano straordinariamente struggente Vittoriana De Amicis che è salita sul palco per Jills Theme, prima di concludere il primo tempo con un'“L’Estasi dell'oro" veramente estatica.

Vittoriana De Amicis

L'orchestra è tornata a suonare l'omaggio di Andrea Morricone a suo padre, Theme For Ennio, che con un Hauser pre-registrato al violoncello è stato un magnifico omaggio al lavoro di suo padre. Poi alcune parole filmate di Tarantino e si è passati direttamente a The Last Stagecoach To Red Rock da The Hateful Eight, un brano musicale quasi sinfonico nella sua lunghezza e bellezza. Davvero non li scrivono più così!

Ciò che è stato particolarmente toccante nei filmati riprodotti durante la riproduzione di questa melodia, è stata l'inclusione del filmato del Maestro stesso che dirige la colonna sonora negli studi di Abbey Road di Londra. A vederlo sullo schermo, bacchetta in mano, era come se non fosse mai morto.

Leandro Piccioni e Hauser

A seguire Cinema Paradiso - dove il toccante tema d'amore del film era stato scritto da Andrea - e Chi Mai. Quest'ultimo occupa un posto speciale nel cuore degli inglesi dai tempi in cui la BBC era ancora in grado di produrre un buon dramma e nel 1981 acquistò la melodia (originariamente scritto per il film di Jerzy Kawalerowicz Maddalena) come tema per The Life And Times Of David Lloyd George. In questa forma raggiunse poi il numero 2 della UK Singles Chart.

Ci sono altri solisti che meritano di essere menzionati per il loro contributo a questa serata. Il primo violino Anna Buevich, che è stata meravigliosa durante tutto il concerto ed in particolare durante i suoi “a solo” nel "La Classe Operaia Va in Paradiso”. Leandro Piccioni al pianoforte, Rocco Zifarelli è stato magnifico alla chitarra, mentre Massimo D'Agostino è stato un tour de force di energia alla batteria. Un cenno anche al direttore del coro del tour Stefano Cucci che per questo concerto londinese dirigeva il Crouch End Festival Chorus, un ensemble locale che ha fatto un lavoro di prima classe nel fornire il supporto vocale necessario ai pezzi del Maestro.

Rocco Zifarelli

Un'intervista filmata con Roland Joffe ha segnalato che The Mission sarebbe stato il prossimo brano, con l'ennesima apparizione di De Niro sopra l'orchestra. L'oboe di Gabriel è stato squisito come sempre, con The Falls e poi On Earth As It Is In Heaven che hanno fatto venire la pelle d’oca al pubblico dell'arena.

L'incantevole Miss De Amicis è tornata per uno scoppiettante bis di Ecstasy Of Gold e mentre la folla chiedeva di più, Andrea ha alzato la bacchetta per l'ultima volta, per riprendere On Earth As It Is In Heaven, solo che questa volta era suonato mentre un montaggio di immagini del Maestro da neonato a novantenne, riempiva lo schermo. Raramente un brano musicale è stato intitolato in modo così appropriato per il momento, e in tutto l'O2 lacrime sono state versate per la bellezza e il genio della musica di Ennio Morricone.

Con sincera gratitudine a Nanni Civitenga per la traduzion

Clicca qui per leggere la mia intervista del 2019 ad Ennio Morricone.

Attualmente in Tour in Europa

Photo: Hanout Photography

Ennio Morricone - The Official Concert Celebration - Review

O2, London

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Conducted by Andrea Morricone

Curated by Ennio Morricone

Ennio Morricone

It is rare that London’s massive O2 Arena hosts an evening of intimacy. But so it was last month when The Official Concert Celebration of the work of Ennio Morricone played for one night to a full house. For this writer, the evening held a particular poignancy as in 2019 I had interviewed the legendary composer at his home in Rome. Under the baton of Morricone’s son Andrea, a selection of extracts from just a few of the 500+ scores that the Maestro had penned were played by the Flanders Philharmonic Orchestra, the programme having been largely devised and curated by Morricone himself prior to his sad passing in July 2020.

The evening’s intimacy came via a number of channels: Firstly, the music itself, with Andrea offering a profound and flawless understanding of his father’s work. A composer himself, it was clear as the various soundtracks filled the evening, that Andrea was immersed in his father’s music. 

Andrea Morricone

Secondly – the clips of the movies that were screened above the orchestra. For those familiar with Morricone’s work, it is always a special joy to revisit an old favourite. Films are cultural milestones, each locked into the] era of its individual release, ageless and frozen in time while we the audience journey through our mortality. And so whether one watched the extract from Quentin Tarantino’s relatively recent Oscar winner The Hateful Eight, or the far more mature extracts taken from Sergio Leone’s filmography, each and every clip will have triggered unique and personal memories and recollections across the audience.

The third aspect of intimacy came from the filmed contributions that were played between the pieces. Ranging from some revealing, and at times self-deprecating reflections from Morricone himself, through to contributions from some of the great directors who are still alive for whom he composed. The comments made were warm, respectful and so deeply full of love and admiration for a man whose career spanned 60 years. Guiseppe Tornatore, Tarantino and Roland Joffe all spoke with a revered insight into Morricone’s style and flair. But it was probably Jeremy Irons, one of the stars of Joffe’s The Mission, who spoke most frankly when describing Morricone’s scores as having an  uplifting effect on the underlying movies, that rank alongside Shakespeare for their place in the pantheon of great art.

And then, of course, there was the evening’s programme. Opening with extracts from The Untouchables, one was immediately reminded of Morricone’s genius in writing exquisite melodies that could accompany the most brutal on-screen violence. Robert De Niro in a starring role segued from The Untouchables to Once Upon A Time In America, where Deborah’s Theme and the Main Theme played to a powerful string of clips from the movie. Up next was The Legend Of 1900, the first of the evening’s nods to director Tornatore.

An interview extract with the Maestro saw him speaking of his structural approach to composition, that musically links scores as diverse as The Sicilian Clan and Metti Una Sera A Cena, the former featuring some delicious solo work on bass guitar from Nanni Civitenga.

Nanni Civitenga

The work of Sergio Leone returned in the lead up to the interval with a fascinating filmed explanation from Ennio Morricone of his simple use of three notes for the harmonica, which naturally led into Harmonica from Once Upon A Time In The West, mournfully and beautifully delivered by Daan Wilms on solo harmonica. That movie, together with The Good,The Bad and The Ugly teased the audience in the run up to the interval, with the stunningly heartbreaking soprano Vittoriana De Amicis taking the stage for Jills Theme, before wrapping up the first half with a truly ecstatic Ecstasy Of Gold.

Vittoriana De Amicis

The orchestra returned to play Andrea Morricone’s tribute to his dad, Theme For Ennio, which with a prerecorded Hauser on cello was a magnificent tribute to his father’s work. Then a few filmed words from Tarantino and we were straight into The Last Stagecoach To Red Rock from The Hateful Eight, a piece of music almost symphonic in its length and beauty. They truly don’t write ‘em like that any more!

What was particularly touching about the film clips played while this tune played out, was the inclusion of film of the Maestro himself conducting the score at London’s Abbey Road studios. To see him on screen, baton in hand, was as if he had never died. 

Leandro Piccioni with Hauser on screen

Cinema Paradiso – where the film’s touching Love Theme had been penned by Andrea – and Chi Mai were up next, with the latter holding a special place in British hearts from back in the day when the BBC made good drama and in 1981 bought the tune (originally penned for Jerzy Kawalerowicz’s movie Maddalena) as the theme for The Life And Times Of David Lloyd George, where it then went on to reach No.2 on the UK Singles Chart.

There are other soloists who demand a mention for their contribution to the evening. Leader of the strings Anna Buevich was outstanding throughout, particularly in her solo work during The Working Class Goes To Heaven. Leandro Piccioni on piano, Rocco Zifarelli was magnificent on guitar, while Massimo D’Agostino was a tour-de force of energy on drums. A nod too to the tour’s choir conductor Stefano Cucci who for this London gig was conducting the Crouch End Festival Chorus, a local ensemble who have first-class form in providing the Maestro’s vocal backing.

Rocco Ziffarelli

A filmed interview with Roland Joffe signalled that The Mission was up next, with yet another appearance from De Niro above the orchestra. Gabriel’s Oboe was as exquisite as ever, with The Falls and then On Earth As It Is In Heaven tingling spines across the arena.

The enchanting Miss De Amicis returned for a cracking encore of the Ecstasy Of Gold and as the crowd called out for more, Andrea lifted his baton for the final time, to reprise On Earth As It Is In Heaven, only this time played as a montage of the Maestro, from baby to nonagenarian, filled the screen. Rarely has a piece of music been so aptly titled for the moment, as throughout the O2 tears were shed at the beauty and the genius of the music of Ennio Morricone.

Click here to read my 2019 interview with Ennio Morricone

Currently touring across Europe

Photo credit: Hanout Photography

Ennio Morricone In Conversation

Ennio Morricone and Jonathan Baz

INTRODUCTION

At 91 years old and with a career that stretches back some 65 years, Ennio Morricone is one of the greatest film composers of our time. Much of his music is magnificent, some of it iconic, with his score for Sergio Leone's 1966 "spaghetti western" The Good, The Bad And The Ugly having become one of the most globally recognised movie tunes of all time.

More recent decades have seen Morricone’s scores for  Roland Joffe's The Mission and Giuseppe Tornatore's Cinema Paradiso (to name but two titles) garner virtually universal critical appreciation and only three years ago the composer earned his second Oscar and his sixth BAFTA win, this time for Quentin Tarantino's The Hateful Eight. There are of course more than just Oscars and BAFTAs in Morricone's trophy cabinet. Countless accolades pay tribute to a man of outstanding genius who even as this interview is published, is in the midst of composing for Tornatore's next project.

And so it was earlier this year that Ennio Morricone invited me to his home, an exquisitely furnished duplex set atop a luxury condo in a smart Rome suburb. The Maestro’s residence has been built and shared with Maria his wife of more than 60 years and it is a place where the warmth of the welcome was matched only by the fine coffee and stunning city views.

The impression within the Morricones’ apartment was not just that of homeliness (Maria was in the kitchen Skyping with son Giovanni in New York as I chatted to Ennio), but also of a place dedicated to culture and beauty with just a hint of politics too. The furnishings and artworks may have been breathtakingly gorgeous, but the ethos of the place was not one of extravagance, but rather that of talented achievement and quietly-spoken, beautifully assured modesty.

With Fabio Venturi, Morricone’s trusted sound engineer and right-hand man to act as interpreter, Morricone shared some observations upon his life and career with me and as one might expect from a man not only so accomplished but also wise, that he remained throughout the very essence of diplomacy. Not once was any particular individual or movie highlighted for exceptional praise, nor singled out for criticism. Read on...

GLOBAL INFLUENCE 

Morricone’s extensive filmography has seen him score for more than 500 pictures across a diverse range of genres that can range from hauntingly passionate love, through to graphic horror. With numerous composers (including Hans Zimmer and John Williams) together with various "greats" from the rock and pop world citing Morricone as an influence, my first question was how he himself perceived the cultural handprint that his music has left upon the world over the last 60 years. In what was to be the first of many glimpses of Morricone’s profound understatement, a constant virtue throughout our conversation, he simply stated that he places himself at the service of any movie that he is engaged to compose for. With a stark humility, he stated his simple belief that it is solely the responsibility of the audiences listening to his music to form their own opinion as to what mark he may have left upon the world.

L’ITALIANITÀ

Our dialogue shifted from global impact to Morricone’s native beloved Italy. While he has worked for Hollywood studios, often to great acclaim, Morricone’s most prodigious output has been alongside his fellow native Italian filmmakers. Proponents of Italy’s culture will fiercely argue that the composer epitomises L’Italianità – an undefinable yet recognisable aura that stamps “Made In Italy” upon a work of art. Morricone however disagreed: notwithstanding his immense national pride, he was passionate in defining his music as international rather than parochial in its provenance.

MUSIC AND VIOLENCE 

Many of the movies that Morricone has scored over the years have included scenes of graphic violence and I was curious as to if he was ever personally troubled or affected by some of the imagery that his music had supported. In a fascinating reply he firstly commented that for the most part he finds himself unmoved by movie violence, looking at the scene and its interaction with his score as simply part of his job. That being said, when he first worked with Dario Argento (the Italian director, famous for his horror and giallo work) he realised the importance of atonality in music that can accompany horrific violence. Morricone strips away the harmony from such moments, analogous in a way to the scene’s brutality being in itself a stripping-away of humanity. However, In a footnote that further defined his savvy genius, Morricone added that where a movie may have been aimed at a more mainstream commercial market rather than for "arthouse" consumption, that he would factor that into his compositions and include more melody alongside the violence. 

And what, in his opinion, was the most gruesome movie that he had scored? The Maestro had no hesitation in telling me that Pier Paolo Pasolini's 1975 movie  Salo, or the 120 Days of Sodom had been a project that he had found nigh-on impossible to stomach.

MORRICONE’S POLITICAL BACKDROP

Morricone has lived through massive political change within his native Italy and a question I posed to him was whether his country's changing political landscape over the last nine decades had impacted upon his music? "Not at all" was his swift reply.

THE EVOLUTION OF MOVIE VIEWING OVER THE DECADES 

Recent decades have seen seismic shifts in how movies are viewed by their target audiences. At the start of Morricone's career, a cinema / theatrical was the only way to catch a film. Since then, more personal screenings be they via TV, or today’s various digital devices have outstripped the numbers of people buying cinema tickets. I asked the composer as to how that change in the way in which movies "are consumed" by modern audiences, may have impacted upon his work? Again, and with a refreshing commitment to artistic purity, Morricone commented that his composition is always driven by the drama either as a script or as acted - and that he is not distracted by mainstream changes in how a movie is ultimately to be watched. 

That being said, Morricone remains acutely aware of a film’s final sound balance and of the final mix between music, background ambient noise and dialogue. We discussed the extent of his involvement in the post-production of a movie's sound, where he indicated that he broadly leaves that decision entirely in the hands of the director. He did however hint intriguingly at one particular project from years gone by (sadly no names mentioned) in which he learned that the director had spent just one day (!) mixing and finalising the sound for the entire picture. His opinion of that project was scathing, although I was left longing for an indiscretion or two.

MORRICONE’S MUSES

In 1968 Morricone was to score Sergio Leone’s Once Upon A Time In The West, a movie for which he has subsequently related that he composed two of the most haunting melodies - Jill’s Theme and The Man With The Harmonica - based solely upon the script and well before principal photography had even commenced or been storyboarded. The score, particularly the haunting soprano line in Jill’s Theme, went on to become one of Morricone’s most celebrated compositions and he spoke briefly about the constraints and indeed freedoms, of writing music for a movie that existed only on paper.

He explained that with a select few directors (including Leone of course), he was able to picture a very clear understanding of a movie's imagery from discussions and early planning. From these discussions, the critical themes of the narrative developed their musical form in ways that were only to be complemented by the finished picture.

The conversation then wandered onto the inspiration he draws upon for the "musical palette" to any particular score? His response was that typically such a palette emerges from his simple following of the filmed story. He will though always think carefully as to how "shocking" he may want a particular score to be. He spoke too of drawing inspiration from his environment and surrounds, relating how in 1995 as he was writing the score for Sostiene Pereira, Roberto Faenza’s political drama about Portuguese fascism, that it was the noise arising from a political demonstration  taking place on Rome’s Piazza Venezia, outside his (then) home, that was to provide the muse for that movie’s music.

Ennio Morricone's BAFTA for The Hateful Eight

MORRICONE, QUENTIN TARANTINO AND THE HATEFUL EIGHT 

Changing tack, the conversation returned to Morricone’s back catalogue of compositions. Modern day directors (most notably Tarantino, in a number of movies over the last 15 or so years) have sampled his previous compositions, incorporating the music into their 21st century pictures. I asked Morricone about the degree of editorial control (if any) that he sought to exercise over such use. 

Morricone expressed a relaxed attitude to how his music may have been used in subsequent soundtracks, but offered a fascinating glimpse into a  cultural “exchange” around The Hateful Eight. The Maestro suggested that while Tarantino had been free to select vintage melodies in his earlier soundtrack compilations, Morricone in turn, had been granted a relatively free hand in composing that movie’s  score. I asked if the movie marked Morricone's return to Westerns to which he replied that he had actually sought to place more emphasis upon the story’s dramatic edge rather than on its Western genre. He was however confident - a confidence subsequently affirmed by both the British and American Academies - that his work fitted the both the screenplay and the photography. 

It is worth noting that when Morricone won that 2016 Oscar, that he became the oldest Academy Award winner ever to triumph in a competitive category. Listen to the soundtrack recording and note the track entitled “Neve” that lasts for 12 minutes - an astonishing length of time for a movie composition in this day and age. Morricone spoke of his personal pride in the movie’s music, describing that track as having an almost symphonic beauty to it and of how he cherished having the rare opportunity to lay down such a score in this modern era of film-making.

FILM SCORES BEING PLAYED LIVE

As audiences grow to appreciate some of cinema’s more classic scores and with the assistance of 21st century techno-wizardry, there is a growing trend for movies to be screened with the original score digitally erased from the print and replaced by a live orchestra simultaneously performing the movie’s scored backdrop.

Morricone was, again, succinct on this. By all means, he said, go to a concert performance of a score where there may perhaps be subtle re-orchestrations of the work for the purposes of that particular event. However, where the movie is being screened then the music to accompany that experience should unquestionably be the original soundtrack as recorded - he was clear that his scores should never be live-played to accompany a screening.

MORRICONE’S INNER SANCTUM 

The interview had taken place in the Morricones’ lounge - but I was curious to see more of the apartment. Chancing my luck upon the warm rapport that had been struck between the genius Italian composer and the curious English journalist, I grabbed the moment and asked the Maestro for a glimpse of “his Oscars”. Beaming with pride, he grasped my arm, escorting me to a staircase that led to his penthouse study. Rarely have I been in such a cockpit of profound creativity, in a room that is a testament to talent. The walls were covered in framed first editions of Morricone’s scores, together with certificates of honour and recognition that dated back to his graduation (first class, naturally) as a teenager from Rome’s Santa Cecilia Conservatory. The shelf of trophies was deafening in its silent tribute to their owner - but in discussing that room and its magnificence with Morricone, all he could say was that he took pride in all his compositions, irrespective of any production’s size or budget or pedigree.

Ennio Morricone - a man whose genius is matched only by his modesty.

With grateful thanks and appreciation to Fabio Venturi and Nanni Civitenga, who made this interview possible.